油画看起来很直观，如何提高油画的鉴赏能力？做到两点即可

“文艺复兴”之前，蛋彩画是西方最主要的画种，顾名思义就是以鸡蛋清调和颜料在涂有石膏的木板，或者湿墙壁上创作而成的绘画。

然而，蛋彩画的创作技法过于繁琐，对画家的要求很高，色彩的附着能力较弱，画面的质感相对要欠缺一些，作品也不宜长期保存。

到文艺复兴初期，尼德兰绘画大师杨凡艾克在创作蛋彩画时，为了解决以上问题，无意中用亚麻仁油代替鸡蛋清做调和剂，没想到大获成功，由此，油画的名称被确定下来，并在西方流行起来，一直传承到现在。

文艺复兴从14——16世纪历经200余年，是油画在西方蓬勃发展的时期，诞生了达芬奇、波提切利、米开朗基罗、拉斐尔、提香等许多绘画大师，他们在油画创作中，秉持科学精神，把黄金分割率、解剖学、光影学、色彩学、焦点透视等一系列科学理念引入到油画创作中，极大地丰富了油画的表现手段，最终为油画制定了一套完善的创作体系和审美标准。后人学习和创作油画时，实际上依然在使用他们于500多年前摸索出来的经验。

伴随着“地理大发现”的步伐，油画很快从欧洲传播到世界各地，如今，油画是世界上普及率最高的一门绘画种类，不同地区、不同语言、不同肤色的人，都可以看懂油画，也能从油画中感受到见仁见智的审美趣味。

那么，对普通大众来说，如何提高油画的鉴赏能力，并真正读懂一幅油画作品？

以我之见，鉴赏油画实质上是一个人对艺术审美的敏感程度的外在体现，以及美学修养的直观流露。做到下面两点就能如愿以偿。

第一点，从宏观层面来讲，要了解近现代西方美术史，对西方近现代出现的主要画派要熟悉，对每个画派里重要画家的风格要熟悉。从微观层面来说，具体到某一个画家身上，必须结合画家所处的时代背景来解读他的作品，具体到某一件作品上，则要了解这幅作品的创作背景。

不论是油画还是中国画，一个时代跟另一个时代的艺术观念和审美理念都有差别，会导致艺术家在创作技法上不断地进行探索，从而形成画派。

油画不像中国画那样以刻画山川自然，表现“天人合一”的思想为主，油画推崇“以人为本”的思想，以刻画人的喜怒哀乐和七情六欲为主要艺术目的，进而展现一个时代的世相百态。

因此，鉴赏一幅油画时，一定要先搞清楚画家是哪一个时代的人，他所处的时代背景和人文环境是什么。

了解完这些，还得弄明白画家属于哪个艺术流派，这个流派的艺术宗旨又是什么。只有这样做，才能真正读懂一幅油画的内涵。

举一个例子，比如从18世纪到19世纪，法国巴黎是全世界的艺术中心，在这里相继诞生了新古典主义，浪漫主义，写实主义，印象派四大艺术流派。每个流派的关注点都不一样，表现手法相差更大，用一种审美标准去鉴赏，肯定行不通。

新古典主义是对古希腊艺术风格的延伸，以满足贵族的审美趣味为主，在油画创作中非常理性，重视素描技巧和造型手段的呈现，追求静穆、细腻、典雅、庄严的艺术风格。

浪漫主义可以说是对17世纪“巴洛克风格”的延续与深化，喜欢以夸张的造型来表现生命激情，在创作题材上常常选取重大历史事件。

写实主义以表现普通大众的日常生活为主，可以说是平民化的艺术。

印象派弱化了油画长久坚持的造型技巧，旨在表现光怪陆离的色彩世界，进而揭示人物的心理感受。

若对每一种艺术风格似是而非，则很难看懂各自的独特的艺术魅力。

第二点，对油画的绘画语言和审美趣味，要有一定了解，并能判断出什么样的语言是好的，什么样的趣味是高雅的。

油画从文艺复兴初期诞生再到当代，虽然只有600多年历史，但变化非常大，尤其是从19世纪末期“后印象派”以来，油画已经完全告别古典时代，从写实走向写意，从具象进入抽象，因此，本文只介绍如何鉴赏后印象派之前的油画。

任何艺术要保持生命活力，必须推陈出新，但万变不离其宗，改变的只是技法、形式、语言和内容，核心的审美元素不是那么容易改变的，也很难改变。

就像发展了几千年的中国画，笔墨和线条仍然是它的核心审美元素，一幅中国画里，若看不到笔墨趣味和线条造型功底，则在视觉感受上很难认同是中国画。

油画虽然走过600多年历史，但最基本的四大绘画语言和审美元素，造型、色彩、光影、笔触，依然存在。

油画中不论是给人物、动物，还是风景和静物塑造形象时，必须符合他们的真实比例和空间关系。在色彩上也必须遵循物象的原色，画面中的色彩越接近原色就越真实，这些是对造型和色彩方面的基本要求。

油画本身遵循科学精神，需要在二维平面上展现出三维空间的立体关系，以及顺光、逆光的问题，当光源照射在物象上时，物象对光线的吸收、遮挡和反射完全不同，所以，必须借助光影的明暗关系来体现画面中各个物象的具体方位、距离和大小。如果没有这些，就谈不上是成功的油画作品。

笔触往往跟色彩结合使用，来表达创作者的情感倾向，就像中国画里线条的作用一样，对画面节奏起到烘托的作用。在印象派之后的油画里，笔触的作用非常重要，直接关系着作品的格调。